По време на церемонията по закриването на Олимпиадата през 2016 г. в Рио де Жанейро, стадионът „Маракана“  се трансформира в огромно произведение на изкуството. Концентрични кръгове в блестящо жълто и оранжево се прожектираха  на пода, създавайки ефект на безкрайни слънца. В същото време изпълнители, облечени като тропическата растителност,  образуваха човешка фигура с широко отворени ръце.

Събитието бе предизвикано от бразилската  художничка Амарал Тарсила  и нейната картина  Painting Set Sun (1929) – ярък пейзаж, в който антропоморфирани зелени растения се появяват срещу небето, изпълнено с дъги и златна светлина.

снимка: Наташа Писаренко

Тарсила е родена в Сао Пауло през 1886 и  е най-емблематичният художник от 20-ти век в Бразилия. Нейните творби подпомагат постколониалното търсене на национална идентичност от страна на Бразилия. Те предизвикват антропофагично движение, което насърчава художниците да ограбват и канибализират постиженията на западното съвременно изкуство, за да създадат модерно, родно изкуство за Латинска Америка. В този смисъл тя може да бъде свързана с други гиганти от Глобалния юг на 20-ти век, включително Йоакин Торес-Гарсия в Уругвай и Уибредо Лам в Куба.

До миналата 2017г. Тарсила все още няма самостоятелна изложба, посветена на работата й в Съединените щати. Сега нейната дефинираща творба от 20-те години на миналия век е разгледана в Нюйоркския музей на модерното изкуство в ,,Тарсила до Амарал: Изобретението на модерното изкуство в Бразилия.“
,,Универсално известна в Бразилия, работата на Тарсила не познава социални, политически, пол или расови различия. Вместо това е символ на общата принадлежност.“ -пишат  куратори на изложби Стефани Д’Алесандро и Луис Перез-Орамас.

Тази широка привлекателност може би е най-добре  се рабира от игривите сцени на живота  в Brazilian favelas  и в Carnaval, където стилизирани живи кедърчета се промъкват през улички, напоени от слънцето и изобилстващи на овощни дървета.  Други творби, като пълната с дива природа A Cuca (1924), са невероятно странни и изненадващо съвременни.  Амарал Тарсила абсорбира тези сцени по време на пътуванията си из Бразилия със своя партньор-поета Осуалд ​​де Андраде.

Нейните най-новаторски произведения представляват мащабни картини от 20-те години на миналия век. Първата, сред които е A Negra (1923), изобразяваща монументалното, обемно тяло на черна жена, издърпана в гъста плетеница от крайници. Тя има една висяща гърда над сгъната ръка и поглъща устните, поставени асиметрично по лицето й.  Жената се появява на фона на земните и небесните хоризонтални ивици, пресичани от зелен диагонал – подложка за восъчния лист на растение.

A Negra (1923)                                                                                   Abaporu (1928)

Тарсила рисува тази творба в началото на кариерата си, по време на едно от  пътуванията си до Париж. Там тя учи с Фернан Леже ( френски художник, създавал лична форма на кубизма, която с времето става все по-фигуративна), социализирала се с авангарда на града – Константин Бранчуси, Пабло Пикасо и Ерик Сати. 

Бразилската художничка продължава да развива своя фигуративен стил, свивайки главите и разширявайки  крайниците, за да стигне до Abaporu (1928) . В тази картина огромните ръце и крака в подножието на седнала мъжка фигура, запълват предния план, като отразяват твърдата, криволинейна форма на кактус.  Тя дава на творбата име, съставено от две думи на тупи-гуарански езици:  аба („човек“) и poru („който яде човешка плът“).  Заглавието на творбата препраща към канибализъм и става много обсъждана тема  в Европа.

Anthropophagy (1929)

Година по-късно, Тарсила  съчетва фигурите на A Negra and Abaporu в Anthropophagy (1929), като допълнително ще ги изолира от идентифициращи характеристики. Те стават привидно радикални и почти без полове, с изключение на наличието на една централно разположена, монументална гърда (част от A Negra). 

Представеното от Тарсила на автентичен бразилски културен живот (да не говорим за същественото изображение на черна жена като архетипна майка), може да се възприеме  силно проблематично днес. Когато сезавръща в Бразилия след пътуване до Париж през 1923 г., Тарсила заявява пред местен вестник: ,,В хинтерландите (земите от Запад) се надявам да се науча от онези, които не са покварени от академиите“.

Амарал Тарсила, Postcard (1929); Частна колекция, Рио де Жанейро

В момент, когато доминиращата еврокултура в Бразилия, все още  изключва представянето на цветни хора, както и местната флора и фауна, то Амарал Тарсила ги прави основата на своето изкуство. И макар че отнема около 30 години нейното творчество  да се превърне в основното бразилско съзнание, то в крайна сметка се превръща в популярен символ на идентичността на страната .  Символ, който дори се прояви на световната сцена на Олимпиадата в Рио де Жанейро.

Comments

comments